探析梆梆的演奏技巧发展论文

下面是小编为大家整理的探析梆梆的演奏技巧发展论文，本文共6篇，仅供大家参考借鉴，希望大家喜欢!本文原稿由网友“yjodgn”提供。

篇1：探析梆梆的演奏技巧发展论文

探析梆梆的演奏技巧发展论文

一、发展梆梆演奏技法，丰富梆梆演奏形式

梆梆在最近几十年的发展是巨大的，老一辈的优秀梆梆演奏家，创造一些新颖的演奏技法，让梆梆的演奏形式有了极大的丰富。梆梆演奏代表任人物赵松庭先生就在演奏乐曲上有了极大的演奏技法创新，他在改编《鹧鸪飞》中，就大胆的将一些其他乐器的技巧移植到梆梆上，如板胡的糅音，唢呐的循环换气等演奏技巧，极大的丰富了梆梆的演奏技巧。[2]从赵松庭先生的演奏技法创作的方法与手段中，我便想到，在梆梆演奏技法的发展中，我们便可以也能够采取融合其他乐曲的演奏技巧进行加工创新，例如将萨克斯的演奏技巧与梆梆的演奏相融合等等。采取这样的方式，不仅仅能够将梆梆与我国的传统民间乐器为代表的进行技法融合，还能够吸收外国乐器演奏技巧，进行创新，从而开发出来更具有特色的梆梆演奏技法。对于一种乐器而言，想要他焕发出吸引众人的光彩，并不是拥有完美的演奏技法这么简单，还需要创造出丰富多样的演奏形式。梆梆在传统民间艺术中，大多扮演的是一个配角，真正以独奏的形式走上舞台是在1953年。梆梆独奏形式的诞生，让梆梆音乐的发展迎来了一个高峰期。在20世纪六十年代，中国梆梆独奏艺术形式迅猛发展起来。以北派冯子存、刘管乐和南派赵松庭、陆春龄为代表的南北两大流派对中国梆梆的演奏技巧、演奏风格、形制革新与作品创作进行了全面的探索，从而将中国梆梆独奏艺术的发展推向了高峰。[3]梆梆独奏艺术成就高峰的前例，是给现今梆梆音乐发展者一个很好的先例，正所谓榜样的力量是无穷的，那么梆梆完全可以开辟出更多的演奏形式，而后来非常受到大众欢迎的“女子十二乐坊”就是一个成功的例子。为了让梆梆能够得到长远的发展，大可以在未来的梆梆音乐发展中，将梆梆与其他乐器进行合作演奏，打造出更多形式的演奏，从而能够逐渐提高梆梆演奏的演出水平。

二、强化舞台效果，重视梆梆演奏表演

发展艺术是时代的产物，作为意识层面的艺术，是离不开物质层面的现实生活的，然而艺术的诞生，也是服务于现实的。正是这样一个相互相存的关系，让梆梆音乐的发展，要跟随于时代的脚步而前进。形形色色舞台表演，总会给观众带来视觉与听觉上的双重冲击。现今的艺术也更加离不开表演的存在，如果将艺术本身比作一本博大精深的书籍，那么表演就是翻开这本书的那双手。可见表演对于艺术是有多么重大的影响。梆梆音乐想要得到更好的发展，就一定要重视梆梆演奏的表演，所谓表演，就是要将演奏变成可以在视觉听觉上给观众造成冲击的视觉系听觉表演。在很多舞台演出中，我们会看见很多琵琶演奏上，会有着精密的布局，还有着伊人伴舞，让观众们在聆听动人音乐时，还能够欣赏绝妙舞蹈，有时候的背景，还会让你觉得自己就置身于琵琶低语的幻境中。借鉴与创新是不矛盾的，在梆梆的演奏表演中，要是曲目风格是江南丝竹的不绝于耳之声，就可以营造一个江南水乡的感觉，小桥流水之间，有着五彩锦鲤游荡，还有那温婉的江南女子笑语连连；如果演奏的曲目是北方风情中的豪放不羁，大可以有几个东北大汉跳起那豪放的东北舞蹈。而演奏者也可以用丰富的表情，来呈现给观众这首音乐背后的故事与情愫。梆梆因为本身的形状较为简单、娇小，所以并没有很多大型乐器那么吸引人的注意力。在梆梆演奏中，营造舞台效果，也就需要关注到对梆梆的一个展示。在舞台效果的营造中，不仅仅是灯光、背景、还需要演奏者在演奏中与音乐相融合，提高自身的表演水平，才能够让舞台效果上升一个高度。

三、提高梆梆演绎水平，打造高端梆梆演奏表演

在七十年代末，我国的梆梆演奏员就开始网专业的方向发展。并诞生李镇、张维良、戴亚等优秀的梆梆演奏员。但是在现今的梆梆音乐发展中，请我们却没有机会看见一个李云迪之类的具有国际影响的梆梆演奏家。没有国际影响力的原因之一，可能是梆梆本身只是一个中华民族乐器，而另一方面就是真正的.梆梆演奏大家又没有诞生。要想梆梆演奏的技法发展有所突破，也就需要中国现今的梆梆演奏家不断提高自身的演绎水平，并创作出更过优秀的作品，以及开创出新的梆梆演奏技法。创新是发展的不竭动力，而在中国的梆梆音乐发展历程中，我们的创新又在哪里呢？对于冯子存先生的演奏技能的超越是没有的，对于赵松庭先生的创作创新是没有的。梆梆演奏员演绎水平的提高，才能够为梆梆音乐的新发展开辟一条别样的道路。在这条别样的道路上，不管是利用新的表演形式，还是用高科技进行辅助操作，我们都应该始终关注到梆梆演奏的本身。演奏中的技法可以是多样的，但是都要有一个很好的演奏水平，才能够打造高端的演奏表演。

四、科技与艺术相互融合，创新梆梆表演艺术

在梆梆音乐的发展历程中，我们看见了梆梆从最开始的传统单一演奏技法走向了多样开放。在这一转变过程中，梆梆音乐的发展是有目共睹的。然而，对于生活于科技时代的我们而言，我们不如就很好的利用科技，来发展艺术。创新梆梆表演艺术，将梆梆表演形式进行创新，将梆梆表演技法进行创新，我们还可以将梆梆表演与科技进行融合。科技与艺术的融合成功的例子真是数不胜数，某某电视台前段时间热播的一个选秀节目中，就是要求选手将科技融入于舞蹈表演中，聪明的选手还大胆的将3d技术融入表演之中，营造出了一个3d的舞蹈表演。在这个节目中，我便蹦出了将梆梆演奏与科技想融合的想法，并期望在梆梆演奏中，利用科技营造一个超级逼真的舞台，打造一场视觉上的表演。科技的魅力就在于可以实现很多我们曾经认为非常遥远的事情，那么我们就利用科技的力量，将梆梆演奏与科技进行融合，实现梆梆演奏中的技法创新。

篇2：长笛演奏的技巧研究论文

长笛演奏的技巧研究论文

长笛演奏的技巧研究论文【1】

摘要：在乐器演奏中，竹笛是我国最古老民族乐嚣，具有深厚的民族传统意义。

长笛是一种音色优美动听而异常迷人的乐器，音域宽广，有较强的穿透力和丰富的表现力。

竹笛和长笛虽都属吹奏乐器，但他们的演奏技巧却各不相同。

关键词：竹笛;长笛：演奏技巧

一、竹笛的特点

竹笛的历史可以追溯到远古时代的“股哨”，经过长期的演变，发展为现在的竹笛。

竹笛历史悠久具有深厚的民族传统意义。

竹笛多年来以其“穿云裂石”之音和悠远的神韵，一直深受广大群众的喜爱。

但竹笛在很长的时期中一直处于伴奏乐器的地位，直到解放后，竹笛大师冯子存首次将独奏曲《放风筝》《喜相逢》通过舞台展现给全国观众，轰动全国。

从此后，竹笛改变了伴奏乐器的地位，以崭新的姿态屹立于音乐舞台。

二、长笛的特点

长笛是一种音色异常优美动听的乐器。

长笛音域宽广，穿透力强，表现力丰富，适合以独奏的形式表现音乐的丰富内涵。

同时长笛在交响乐和管乐队中也是十分重要的组成部分。

长笛与竹笛一样历史悠久，其发展既继承了传统乐器音色悠扬的特点，又具有其独特的时代性。

几百年以来长笛从木、金、到银;由孔到键，由单管到多节，由原来只能吹几个单音到现在交响乐团最妩媚的娇娇者。

长笛音色独特，其音色在低音区浑厚、朦胧，中音区清澈、抒情、柔和，高音区光辉、明亮、穿透力强，是当之无愧的木管乐之冠。

三、竹笛和长笛虽都属吹奏乐器，但他们的演奏技巧却各不相同。

竹笛的演奏技巧

传统的竹笛一般只有六个音孔，低音大笛也只有七孔，除了竹笛设计中原有的半音以外，乐曲演奏中的半音、转调主要是依靠演奏演员的演奏技巧和演奏经验，通过半孔按法及叉口指法来完成、这对于演奏人员的演奏水平和音准控制都有很高的要求。

在演奏过程中，演奏员怎样实现半音及转调，需要依靠演奏人员的经验。

具体使用手指的什么部位来实现半音及转调，不仅要根据音乐旋律的要求，还必须结合演奏人员自身的条件来决定。

竹笛第一、四孔的半音，一般用无名指按半孔或用指肚按上半孔;第二、五孔的半音，多用中指第二关节按里半孔，比如小工调(简音作5)中音“4”的半音演奏有两种方法：1.用食指按住第六孔的外半孔或上半孔。

2，打开第三、六孔，其它四孔全闭;小工调的高音“4”除了用食指按半孔外，还有两种交叉指法：1.开四、六孔，闭一、二、三、五孔，2.开一只也，闭其它四孔。

后一种指法音准偏高，需用第一孔的无名指在音孔边缘盖一点，加上风口控制，才能使音高准确。

竹笛在演奏时，手指按孔的面积大小，与手指的启孔距离远近，均以音准为准，通过手指与气流角度的互切面给，以及演奏者的主观听觉来共同完成，努力做到半音的演奏音准稳定、准确，无滑音痕迹。

五、长笛的演奏技巧

长笛是所有的管乐中对气息要求最为严格的乐器，长笛的演奏基本上都是依靠气息的转变来控制，气息对于长笛正如运弓对于小提琴般重要，气息的长短、强弱、收放自如与否直接关系到演奏的效果。

气息对于长笛的演奏重要是因为在演奏中演奏者的相当一部分的气息会直接吹出长笛的管外，这部分气息控制在什么范围内能达到最佳的演奏效果需要依靠的不仅仅是理论上的学习，更为倚重的是实践中的经验。

长笛演奏中正确的呼吸方式一般是胸腹式的呼吸方法。

这种呼吸法符合人类生理构造的正确的呼吸方法，可以保证演奏者呼吸的饱满、自如，这种呼吸方法为演奏者演奏技巧的展现提供了可靠的保证。

长笛的演奏不仅需要学会正确的呼吸方法，还应该掌握正确的口型。

长笛演奏中的口型要求：上唇自然下包，上唇贴紧下牙，轻轻向两边拉开，呈现微笑姿势，上下唇中间呈枣核形。

长笛演奏被称为术管乐之冠，对演奏技巧要求最为严格，不仅需要正确的呼吸方式和吹奏口型，还需要掌握准确的演奏指法，手指击健要灵活、流畅、手不能抬得过高，采用双吐演奏法。

总之，在乐曲中的演奏过程中不仅要靠手部的动作，更应该让大脑参与到手部的动作中，不能仅仅的'按照教材上手部变化要求来演奏，而应该通过聆听、锻炼总结适合自己的演奏指法和演奏习惯，形成自己独特的演奏特色，在保证演奏中指法准确、音调优美的同时把握并充分的展现乐曲的悠远意境和悠扬的风格，使乐曲不仅入耳声美，还能营造引人入胜的如画意境。

长笛演奏技巧与音色探索【2】

摘要：演奏技巧是长笛演奏的基本条件，其水平的高低直接影响到作品的音色和音乐表现。

要使音乐作品表现得更具感染力，必须提高完善演奏技巧。

只有熟练地掌握长笛的演奏技巧，才能使作品更加具有歌唱性，音色柔美，音质更为统一，使音乐作品的思想感情和深刻内涵更加深入人心。

关键词：长笛 演奏技巧 音色 音乐表现

一、长笛介绍

长笛是世界上管弦乐乐团、管乐队通用的重要乐器。

篇3：钢琴教学演奏技巧的教学重点论文

钢琴教学演奏技巧的教学重点论文

随着人们生活水平的不断提高，人们越来越重视精神世界的构建，随之便是对音乐等审美行为的需求。钢琴作为乐器之王，在教育过程中应当注重传承和发展，以音乐丰富人们的精神世界，这就需要钢琴演奏者具有过硬的钢琴演奏水平，能够熟练运用多种演奏技巧，通过钢琴演奏更好地表现乐曲的审美内涵。

一、钢琴演奏技巧的概念范围

钢琴演奏技巧主要包括触键技巧、触键力度、节奏和演奏常识等，在具体的演奏中也包括连奏法、断奏法、琶音、远距离大跳等等。正确掌握钢琴演奏技巧能够让学生领悟到钢琴的魅力所在，更好地表现出乐曲的内在魅力。钢琴演奏技巧教学总体分为三个阶段，“首先教师需要引导学生们进行放松训练，避免紧张的肌肉影响乐曲生动和活力的表现”。[1]第二阶段为钢琴演奏技巧的训练，教师可以组织学生们进行专项弹奏练习，其中包括钢琴演奏时的踏板练习、弹奏力度练习、节奏和分句演奏等方面，提高学生在触键方式、指尖把握的力度，此阶段需要大量的时间反复练习才能达到效果。第三阶段钢琴教师需要对学生进行听觉和音乐训练，让学生明确钢琴演奏中的节奏，并运用熟练的技巧将节奏感表现出来。

二、钢琴教学中演奏技巧训练的重要性以及方法

为了更好地进行钢琴演奏，需要具备扎实的演奏功力，在熟能生巧的演奏前提下，将乐曲的韵律美表现出来，并用这种韵律美中富含的情感充分表达出来，用钢琴演奏感染听众，让听众产生情感上的共鸣。可以说钢琴教学的基础就是演奏技巧的练习，所有的教学都需要围绕演奏技巧训练开始，让学生都能够认识到技巧对于钢琴演奏的重要性，同时在教学时也要针对学生的不同基础进行训练计划的制定，只有做到针对性教学，才能提高学生对于钢琴演奏技巧学习的重视。具体的钢琴演奏教学方法有以下几种：

（一）巩固学生的基础弹奏技巧。演奏技巧对于钢琴的表现力来说有着绝对的影响，所以基础训练非常重要，学生需要从跳音奏法、非连音奏法、连音奏法这三大主要方式入手多加练习。在进行连音演奏技巧教学时，教师应当让学生养成五个手指独立演奏的能力，避免上一个音还没放开就演奏下一个音，确保每个音符都是干净的。

（二）让学生掌握音阶弹奏的方法。“演奏钢琴技巧当中非常基础的一个部分即音阶演奏，”[2]阶弹奏需要手指之间的配合和协调，并且表现出音阶之间的质感和顺畅。人的手部特征表现为在移动方向上存在差异，应当练习拇指四个方向的活动功能，演奏手法要更加自然而平稳，这就需要教师将音阶弹奏技巧渗透到每个学生的日常训练中，不断地重复练习，从而形成拇指音阶弹奏准备的习惯。

（三）培养学生钢琴演奏的音乐感和节奏感。节奏是一首乐曲的框架，只有准确地把握节奏才能演奏出高质量的音乐作品。在钢琴演奏练习中，教师需要先让学生能够明确乐曲的节拍，然后让拍数和弹奏的速度保持一致，此时可以引用节拍器，让学生养成跟随节拍弹奏乐曲的习惯，进而形成节奏感。

三、钢琴演奏技巧在教学中的应用

（一）将起落演奏技巧融入在教学中。作为钢琴入门的必须掌握技巧，钢琴演奏时需要学习起落弹奏，当音符连线为两个时，即为音符的落下和提起，手臂在落下时动作要轻柔，手腕和身体都要放松，确保弹奏动作的轻柔和缓和。

（二）掷、击与自由落键的演奏技巧。“钢琴音色对对于演奏来说极其重要，在进行钢琴表演的过程中，可以通过琴键的变化来实现钢琴音色的变化。”[3]触键技巧是一种混合技术，教师需要引导学生了解掷的力量是如何协同作用的，感受肩膀、手臂、手腕的共同作用，同时又能放松自己的身体，避免肌肉的紧张。这也需要学生能够增强手臂活动的灵活性，总之这是对钢琴演奏的基本要求，只有保持一个恰到好处的紧张状态，才能最大限度提高学生的`手指灵敏程度和力度。

（三）贴键演奏技巧的教学。贴键演奏实用性很强，能够提高学生的手指灵活程度，抬高手指也需要一定的练习，不能让手指的过度太高影响乐曲演奏的连续性和完整性，贴键练习要求学生在弹奏该音符之前就将手指放在钢琴的琴键上，并迅速按下，当弹奏结束后手指仍然要放在该键位上，减少力量不均和落音、缺音的现象。在训练该演奏技巧的过程中，需要学生能够全身心地投入到钢琴演奏中，将音符作为情感表达的桥梁，将乐曲中的情感传递给听众。

四、结语

钢琴演奏技巧的提高需要系统化的长期训练，如果仅仅把技巧训练当作一种机械式的枯燥联系，学生常常会丧失钢琴学习的兴趣，这就需要教师采用更加科学的教学方法，将技巧训练和演奏融合在一起，增强钢琴演奏技巧的趣味性。只有注重技巧的演奏，才能更好地将乐曲中的情感传递出去，让钢琴展现出乐曲的韵味，凸显钢琴的音域和音色特点，让乐曲能够走到听众心中，激起情感上的共鸣，带给听众们以审美上的感受。

[参考文献]

[1]马娜.浅谈高校钢琴教学中的演奏呼吸[J].黄河之声,,06:22.

[2]沈璐.论钢琴演奏技巧训练与情感表达[J].当代音乐,,22:70-71.

[3]朱红艳.钢琴触键技术对钢琴音色的影响[J].当代音乐,,03:98-99.

篇4：钢琴音色特点与演奏技巧的浅议论文

钢琴音色特点与演奏技巧的浅议论文

[关键词]钢琴 音色 表现力 演奏技巧

[摘要]通过钢琴丰富的音色表现力和音色特点，阐述如何表现、如何改变音色的方法，分析改变音色的演奏技巧。

音色是由发音体的性质、形态以及其产生泛音数目的不同而呈现出的不同声音，即音的色彩和特征。优美的音色是音乐表演者必须持续不断追求的目标。只有演奏出优美的音色才能打动听众的心，实现音乐感人肺腑之功能。著名钢琴教育家涅高兹说“钢琴的艺术也是声音的艺术，通过弹奏音色的变化产生的音响可以表现出愤怒的狂号、疾风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果断刚烈等强烈的情感，也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰、爱抚、叹息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、爱情等内心的复杂情感，也可以表达空谷回声、黄昏钟声、高山流水、粼粼水波等大自然的奇观美景以及阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之，所有称之为音乐的东西都可以在钢琴上弹奏出来， 而音色的变化使音乐的表现具有广阔的想象空间和表现范围。

一、钢琴独特的音色美

在辽阔的音乐世界，乐器的品种类别数以千百，但人们却对钢琴情有独钟，那是因为钢琴本身所具有的独特性能和审美价值。钢琴的气势宏大，没有哪件乐器可以与之相比。它既有辽亮辉煌的音响，又有绚丽多彩极具丰富的音色。钢琴音域广达6—7个八度，力度变化从最弱到最强，体现了大幅度、多层次音响特征，其丰富的表现力可以与一个交响乐队媲美。通过弹奏等技术处理又可以使音乐变化多彩……钢琴这种乐器在笔者的印象中是最理智的，弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象，包括人声和世界上所有乐器所表现出来的各种各样的色彩。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助，一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象，创造出某种完整和完美的钢琴作品。

钢琴有它独特的音色美，有它的“自我”，无法与其他东西混淆。我们应当了解并喜爱钢琴独特的“自我”，从而彻底理解它、掌握它。音色美给人以官能上的快感，这种源于物理属性的生理反应，是一种初级的灵感。但从键盘上流淌出来的音乐，却蕴涵着丰富的音乐美的内涵，这种有旋律、和声、调式、调性、肢体、曲式、速度、力度等音乐表现要素交织在一起所构成的音响美，不仅给人以情绪的感染和精神的愉悦，而且还具有一定的启迪智慧、完善品格的效应。只有当你在钢琴上弹出不可能的东西时，你才能弹出钢琴上一切可能表现的东西。心理学家认为，概念、想象、愿望是可以跑在实际的东西前面的。贝多芬耳聋后创作了他听不见的钢琴音响并且预示了钢琴在数十年后的发展。作曲家的创作精神为钢琴音响探索出了新的规律，而钢琴就逐渐地适应了这些规律。

从钢琴弹奏的原理上看，钢琴是键盘乐器，是通过琴槌击弦发出声音的，因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势。在弹奏运指的同时，自肩起贯通至臂腕部，力量从上至下，无阻隔的传递到指间，这需要学生上部身躯各个部位能够相互协调并运用自如。尤其是臂腕部尽量放松，整体投入、上通下点、手指站立，这样所发出的音响通透亮丽，松弛而有弹性，富有光泽。在节奏旋律上有脉动感，有活力，更有清澈的颗粒性。所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指，使其独立、主动、灵活；使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。这对展现出钢琴所长是关键性的步骤。

二、正确的触键方式是获得良好音色的前提

一些业余钢琴爱好者，他们有良好的`钢琴演奏技能，但由于他们只知道触感是演奏艺术完美的保证，而忽略了触键方式，致使强奏时声音生硬、死板，弱奏时声音“虚”。因此在技术方面，要弹出“好听的”声音，必须具备非常灵活柔顺的双手（但不是软弱无力）和“放松的重量”，即从肩部和背部起，直到接触键盘的指尖（全部的准确性都集中在指尖）为止，整个手臂都是放松的；还必须有把握地、合理地控制这种重量，从弹疾速轻巧的音所要求的飞掠而过的触键起，到弹宏大的音量而用大力度用力弹键为止，都必须如此。

好听的声音是不同力度、各种时值声音的相互结合、相互对比、极为复杂的过程。声音练习只有在练习作品、练习音乐及其基本要素的时候才是实际有效的。而这种练习也不能和一般的技术练习分割开来。

钢琴上的音不能像别的乐器上的音那样延续，所以为了清楚地表达所演奏乐曲的音调，不但旋律线条的强弱变化，就连经过句的强弱变化也应当比别的乐器更丰富更灵活。当然，也有要求其平均的、没有强弱变化声音的地方。

根据查阅的相关国内外资料可知，为提高钢琴演奏的音色，我们可从以下几方面着手：

1改变手指的触键部位

从用指尖触键到用指面部位触键，每一变化层次都可以产生细微的音色变化，因为手指越立起，琴键受力越直接，音色越明亮。而指面平坦会形成一种受力的缓冲，从而对音质产生影响，使声音柔润。

2改变手指的触键高度提高手指触键对下键的速度有重要作用，如要得到明亮的颗粒性声音，常需手指的提高。而对声音柔美的连奏则不需提高手指，要求以平稳的贴键方式触键。

3改变手指的触键速度

缓慢的触键速度是创造柔和歌唱性声音的关键因素。一方面触键速度影响着声音的强弱，触键速度越快声音越强，反之则越弱。另一方面，触键速度还影响着声音的明暗、刚柔等。

4改变手指第一关节或第三关节的牢度

从第一、第三关节较柔顺到较坚挺可以改变手指传力的支撑强度，也可以使音色产生变化。

5改变指尖的坚度

从相对放松的指尖到相对牢固的指尖，每一层变化也都可以改变键盘动作速度和击弦速度，对声音的变化产生影响。

6改变触键的用力形式

钢琴触键的用力形式一般包括：垂直方向用力和水平方向用力。像连贯柔和的连奏就需要以水平方向的用力形式触键，这种方式可以使琴键以一种缓冲的方式受力。

通过上述几条练习，掌握正确的触键方式并养成良好的弹奏习惯，就可以减少肌肉的动作，轻松自如的演奏出正确美妙的声音。

三、良好的音色的获得与踏板的运用有直接的关系

世界著名的钢琴大师安东·鲁宾什坦有一句名言：“踏板是钢琴的灵魂”。它为丰富钢琴的演奏音色与和声起到了非凡的作用。在钢琴音乐中，踏板虽然不是作为单独的技术而存在，但是它是作为对音响与音色的最高境界的追求而存在的。不论是水平粗浅的初学者，还是蜚声海内的钢琴大家，在演奏中无一不会不使用到踏板，所以演奏者演奏时应正确运用踏板，力图去感受和声，这样才能弹奏出好的效果来，使音乐达到最完美的境界。踏板是具有魔法般的调色板，触键的好帮手，踏板的用法是综合性，并是多种多样的，但也是非常有个性的，要根据演奏的变化而变化，自成风格，并没有相同的用法。即使是同一个人的演奏，每一遍都会略有不同，要根据音乐的表现，用严格的、敏锐的听觉确定踏板的运用。当然踏板的运用还会受作品艺术风格的影响，不同音乐时期、不同风格、不同作曲家使用踏板的要求都是不同的，弹奏巴洛克时期和古典音乐时期的作品时，踏板要少用些，而演奏浪漫派以后的作品时，踏板可适当的多用些；同一个和弦，在低音区踩得要少些，在高音区踩得要多些；琶音上行可多踩些踏板，下行时稍微要少踩些；还用就是在练习曲中可少用或不用，以保证每个音的清晰……根据演奏场地 的音响条件也要调整踏板的运用；不同品牌的钢琴性能不同，踏板的运用也会不同；要随着演奏者演奏瞬间情绪的变化而变化踏板的用法。延音踏板可以产生连贯浓厚的声音；弱音踏板则可创造出朦胧、纤细的效果；而踏板踩动的深度对音色也会产生不同的音响；抖动踏板又可获得洪亮且不混浊的强奏音色。当然这一切都必须以“倾听我们的演奏为前提”，它是“使用踏板的坚固基石”。

综上所述，对演奏实践进行理论性研究，阐述理论性原则，应该说比弹奏容易得多；掌握演奏技巧，用每一项技术手段创造丰富的钢琴音色变化却不是一件容易的事。在当今日新月异、高速发展的高科技时代，钢琴演奏技术也不断地向更高层次发展。在钢琴演奏中，要获得优美的音色除了掌握基本原则和方法以外，还要了解不同时期、不同作曲家作品的不同音色及触键要求等原理，在掌握一定钢琴演奏的技术手段外，还要根据对音乐的理解和音响效果的需要，灵活地运用踏板，不断练习，不断琢磨，才能创造出变化无穷、气象万千、令人心醉神迷的艺术世界。

参考文献：

[1]赵晓生：钢琴演奏之道[M]。上海。上海世界图书出版公司。。

[2]约·霍夫曼。论钢琴演奏[M]北京人民音乐出版社。

篇5：简析贝多芬的演奏技巧及其启示论文

简析贝多芬的演奏技巧及其启示论文

[论文关键词]《暴风雨》演奏分析技术性速度与技巧

[论文摘要]贝多芬的艺术气质在他的钢琴奏鸣曲中得到升华与表现，特别是在奏鸣曲《暴风雨》中，演奏的技术性与音乐性、内容与形式的完美结合，标志着贝多芬一生音乐成就的高峰，他的演奏速度与技巧留给我们许多有益的启示。

贝多芬是伟大的音乐家，他的艺术气质在他的钢琴奏鸣曲中得到升华。在奏鸣曲的演奏中，只有做到技术性与音乐性的结合，才能使内容和形式达到无比和谐，真正演绎出艺术的灵魂。《暴风雨》奏鸣曲是贝多芬在音乐中直接表达思想的最突出的例证之一。罗曼罗兰非常准确地把这首奏鸣曲的形象与贝多芬一生转折阶段相联系，它所表现出的热情确实达到了暴风雨的程度。“暴风雨”奏鸣曲在速度、节奏和主题处理上也用了一些新鲜的手法，琶音的形式运用较多，基本贯穿在奏鸣曲各个乐章之中。在《暴风雨》的演奏中，奏鸣曲的技术性与音乐性真正做到了最完美的结合。

一、乐章演奏分析

奏鸣曲第一乐章的形式非常独特，而且幻想的意境用非常巧妙的形式表现出来。暴风雨来临前的激动心情逐渐地展开，每个层次的进展与冲突都非常清新、风趣，主题以d小调的属音开始，兼有缓板和琶音，以最后一个a音起开始数拍子。广板充满沉思、恳求、召唤秘藏在心中的感觉，慢板深刻而且不安定。从快板开始踩踏板，逐渐增强，造成一种激动的气氛。在这里旋律音给人感觉像是坚定的命令，雄壮又单纯而且如雷鸣般。41小节副主题在a小调上出现，这个乐句很活跃，充满了激动。第55小节起和弦一定要弹得坚强有力并且充满英雄般的气魄。69小节起左手八分音符的经过句，从弱音开始之后渐强，到75小节激动起来，这个发展过程一定要演绎出来。从97小节开始的展开部是呈式部的继续和发展，旋律有特别形象的对比性和冲突性高潮，它加强了主题的戏剧性，因此成为全乐章高潮的中心部分。从147小节开始的再现部是展开部的发展，它慢慢地向优美的歌唱发展，将主题歌唱化，使人欣赏时有一种新的效果。最后的1O小节使用踏板，好像是从远处响起的雷鸣，然后逐渐地慢下来，渐渐地远去，给人留下的是一种悲哀和深刻的印象。

第二乐章非常浪漫，每个音符都充满了诗情画意，能将人带入音乐的世界里，尽情叙述的音乐，可以使人联想起暴风雨过后的那种宁静以及对人生和大自然的种种幻想。在第一乐章里心情是激动和复杂的，而在此却是庄严、安静、幸福的沉思，不受干扰地体验周围世界，并享受其中的乐趣。乐章的另一个特点是；主题在高音域频繁地结束，这在慢板乐章比较少见，这种手法的确体现出一种深切的感情。第31小节开始出现感人的、简朴的旋律也就是F大调的副主题出现了，到了43小节是再现部，这里和声比较丰富，演绎上与呈示部弹法一样。第51小节的左手分散和弦不可干扰到主题。尽可轻而柔地演奏，节奏一定要准确无误。第55小节起至“f”之前的分散和弦是渐强与渐快速度到此为止是真正的徐缓乐章，其内容很有深度，旋律非常丰富，同时为了使和弦的音响更具效果，应很好地使用踏板。

第三乐章是奏鸣曲式。这个末乐章是快板，是非常优美的终曲，由连绵不断的快速16分音符组成。自始至终充满了温柔与爱的性质，这乐章的美是一种“虚幻无常”的美，它展示出贝多芬所追求的梦的世界。第三乐章无论在伴奏音型里或是在主导旋律中，都有连绵不断的16分音符的律动性进行，表达出优美的明暗变化，舒展出精彩的钢琴独奏技巧。它的节奏十分严格统一，力度变化非常详尽细致。必须控制并掌握好每一层次在力度、音色、乐句起伏等方面的细微变化，否则这个乐章就很容易显得单调。乐章的主题由一个弱起小节开始，所以大拇指上的音不可太重，这一句要弹得温柔。右手每句的结尾8分音符断音时好像是要离开键一样的轻轻结束就可以了，也就是句尾结合演奏方法来收。左手尽可能地圆滑演奏，整齐流畅的`音要让人听起来有“马蹄嘀嗒声”的感觉。24小节半音的速度要十分准确，不能任意增加速度。3O小节起是连接段，49小节的弱奏要特别演示出来。55小节的8度，须单独练习，是手臂保持松弛和自然状态，尽量用手腕弹奏。81小节的左手很重要，声部的进行需要突出。83小节分解的八度也是旋律。91小节左手的和弦要饱满而且干脆，慢慢进入展开部。庞大的展开部巧妙地运用明暗色彩层次，这些色彩的丰富是通过变换调性来达到的。贝多芬为了不使它单调，运用各种方法，使乐曲在16分符运动之间，都能吸引听众的注意力。演奏时的状态也非常重要，用心去听自己所弹出的每个音，是否经过了思考，使感情的状态进入到音乐中。像95至98小节可以想象成是木管，长笛和单簧管的独奏部分。118小节主导的声部转移到了右手上，因此要清楚地听见这个变化。第215小节是再现部的开始，在这里贝多芬也运用了离调等复杂方法，但在演奏上的重点与呈示部基本相同。从323小节尾声，弹奏时要使紧张度逐渐提高，每一个“sf”要渐强。381小节以后的三小节之间，要充分的把减七和弦的效果弹出来，使乐曲产生出紧张感。最后要用弱奏结束全曲。这样的结尾不容易处理，需全身心地控制，每个音要均匀，而且节奏不变，不做渐慢，要让它自然地静悄悄消失。由于奏鸣曲曲式的严谨性，我们要学会发现每个乐句的技术特点与音乐相结合。

二、启示

《暴风雨》的演奏速度与技巧，内容与形式可以说是无懈可击的，他的演奏理论与实践留给我们许多有益启示。

（1）总的原则，独奏音乐(以及以弦乐四重奏为代表的室内乐)应该比大型合奏音乐(如交响曲等)在节奏处理上享有更大的自由，这一点对于古典时期的音乐非常重要。

（2）不能机械地理解速度标记，因为它可能只对乐曲最前的几个小节有效。贝多芬的速度标记往往指的是该乐章中最快的片刻，意思是不要超过这个速度极限(如果是这样，那么作品106中貌似奇怪的速度标记就是完全正确的)。

（3）贝多芬明确要求，一次够格的独奏表演，应该在节奏步履上有复杂而微妙的变化调整。确实，只有这样，音乐在时间中的真实行进才会获得生气和生机。从某种意义上说，这种局部的节奏弹性伸缩是否自如，是否丰富，是否妥贴，是一位演奏家是否具备“乐感”、某次演奏是否具有艺术质量的一个关键性指标。

（4）贝多芬同时也非常明确，上述的节奏与速度调整不能过分，“仅仅只被最敏感的耳朵察觉”。罗森深刻地指出，“贝多芬希望，无论步履节奏出于表情的驱动如何变化，而且，更为重要的是，理解速度的变化，必须始终要将其置于一个大范围的、控制性的节奏观念之下。”

参考文献：

[1]吴祖强．曲式与作品分析[M]．北京：人民音乐出版社，1962．

[2]童道锦，孙明珠．外国钢琴作品分析与研究[M]．北京：人民音乐出版社，．

[3]卡尔车尔尼．贝多芬全部钢琴作品的正确奏法[M]．张淑懿译．台北：全音乐谱出版社，1973．

篇6：探究双排键电子琴演奏古典音乐作品的技巧论文

探究双排键电子琴演奏古典音乐作品的技巧论文

在音乐史上，音乐艺术的每一步发展，都离不开当时与乐器相关联的科技进步。20世纪电子技术的发展更大大拓宽了音乐的表现领域和传播方式。从双排键电子琴作品中古典音乐风格的演奏来看，我们可以暂把双排键电子琴以“交响乐器”来命名。因为双排键电子琴可以模仿乐队的各种乐器进行演奏。这就要求演奏者在演奏古典风格的音乐中不仅要把音符弹出来，更重要的是掌握多样化的触键技巧，把握它的艺术形象，尽量把乐曲演奏得更加完美。

一、演奏古典音乐作品基本的音色把握

（一）弦乐器音色

弦乐是管弦乐队最具表现力的乐器。弦乐有广阔的音域，各种弦乐器音色协调、统一，并且极富抒情性与歌唱性，更具延长音响和大幅度力度变化的能力。在不同的作品中，对弦乐器的奏法也有不同的要求。

例如，在《花儿为什么这样红》这首乐曲中，为烘托气氛，点明主题，在演奏时，右手的音色应具有爆发力，使全身的力量都集中在手指上，音头的力量保持住不要僵硬、触键深，时值饱满，并具有琴弓的拉奏感。这样表现出弦乐在乐队中的张力，同时也表现了音乐热情的色彩，它强烈、奔放，令人精神振奋。

在古典音乐作品中也经常出现弦乐的拨奏奏法，是用手指拨动琴弦震动发出的声音。一般表现较弹性的音乐色彩。例如，歌剧《贼雀》序曲，它的音色多为弦乐的拨奏音色，演奏时手指下键力量应集中、迅速，借用琴键的反作用力，使音色短促、有弹性、又圆润饱满，清晰干脆。这样表现小喜鹊跳跃、顽皮的音乐形象。我们会随着双排键做出的弦乐拨奏来进入到一个生动鲜活的剧情再现。

（二）铜管音色

声可裂帛，热力四射，高潮迭起，这便是铜管乐器的出众之处。它们富有号召力，弱奏时又具有内涵的想象和深邃的魅力。

《西班牙狂想曲》的音色均为铜管音色，弹奏时让大臂、小臂、手腕、手掌和手指协调、密切结合在一起，并迅速发力、击键，指尖触键力量要集中，弹奏力度均匀、有力。演奏长音时，使音听上去始终饱满、扎实，并注意与表情踏板的协调。弹奏铜管音色时要注意两个问题：第一，在开始弹之前要想好下键的力度与速度，触键后声音平直，切忌力量上下的晃动，否则铜管音色的气息就会失去平稳，导致音色的晃动；第二，多用耳朵去听，辨别音色的好与坏。

（三）木管音色

在木管组里各种乐器都有鲜明的音色个性，声音尖利的是短笛，嘶哑的为低音大管，居于两者之间的有优美的长笛， 冷漠的单簧管，低音单簧管，甜美的双簧管，英国管和大管。它们的共同特点是具有相当的灵活性和远距离音程跳跃的准确性。

在演奏木管组的音色时，由于木管乐器是通过往气口吹气，气流在乐器的罐子里震动而发出声音的，所以在演奏木管乐器的音色时手指应该高抬，力量不要太多，在奏法上保持半连半断，力求音色干净，清晰，均匀。每个音是独立的，但串在一起又是一个整体。同时也要考虑到呼吸问题，这样才能把乐句更好地划分出来。

二、古典音乐作品对速度、力度的控制

（一）速度

速度直接影响到乐曲的表现，同时速度是否准确代表演奏者的音乐素质。演奏古典风格的作品时，谱面上会标明速度，节奏打开便可获取准确速度。在乐曲中渐快、渐慢要控制好不要太突然。回原速时应该在表明的前一小节就开始准备，通过最后一个长音，渐慢或延长记号来计算如何平稳地回到原来的'速度上。在演改编的乐曲中，由于要模仿的是几十人甚至上百人的乐队，所以我们不能够随意地像独奏一样控制自己的速度，我们的身份应该是严谨的“指挥家”，应该作为独奏者和指挥家双重的身份，在规定的速度范围内去尽量寻求“速度的艺术”。

（二）力度

乐曲中的强弱好比人的表情，它能使乐曲更加丰富、生动。在演奏时，音的强弱是通过手臂到指尖所运用的力量而决定的。当力量渐强时，应由手指逐渐用到手臂甚至全身的力量来演奏。首先，用手指触摸着弹奏，然后慢慢地用手臂推起来， 之后越来越有力的按住弹，最后整个身子连同手臂手指全都压上去，达到最强的效果；减弱时则反之。最后变成只是手指在触摸琴键，达到减弱的效果。但是，不管是强音还是弱音， 都必须避免音色的生硬和粗糙，保持力量进行的均匀性。

此外，双排键电子琴的键盘在触感上分为触前感和触后感。触前：根据手指下键速度的快慢来控制音色发音的快慢。在用大力度弹响音符的一瞬间， 小臂和手腕保持紧张的状态，将力量压在琴键上，然后再均匀的逐渐减轻下压的力量，从而形成均匀地减弱。触后：根据手指下键后压键力量的大小， 来控制音量大小。音符在轻轻弹响后， 通过控制下压的力量，来形成音量的渐强。在弹奏时，下压的力量要均匀地加强到最大程度时，迅速将手抬起，形成渐强的效果。

双排键电子琴通过丰富多变的音色，宽广的音域，宏大的音响，把古典风格的音乐诠释出来。通过肢体在乐器上的活动，以所创造出来的声音抒发个人独特的感受与观点， 达到“诉说” 的目的。我们只有掌握更好的学习方法，熟悉演奏的各种技巧，才能演奏出更好的乐曲。只要我们扎扎实实、一步一个脚印，双排键电子琴的明天一定会更好，成为音乐学科发展中一股不可忽视的力量。

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